Música. El recital como contenido: quién protagoniza hoy los shows en vivo

Hay una escena que se repite, con pequeñas variaciones, en casi todos los shows masivos de los últimos años. No importa el género, si es pop, rock o urbano; en algún momento de la noche, la música parece correrse apenas de la escena para dejarle espacio a otra cosa.

Puede ser un gesto, una coreografía específica, una interacción planeada con antelación, una miniescena en clave teatral dentro del show que no necesariamente está pensada para quienes están ahí, sino para quienes lo van a ver después en las redes sociales, en loop infinito que lo convertirá posiblemente en el próximo clip “viral”, que lo posicionará en los portales y medios varios.

Eso inevitablemente lleva a la pregunta: ¿Cuándo los recitales dejaron de ser solamente un concierto para convertirse en “esto”?

Eso para nada quiere decir que la música no sea el principal atractivo; obviamente, la música sigue siendo el corazón de todo. Nadie está dispuesto a pagar una entrada sin querer escuchar esas canciones que lo atravesaron en algún momento de su vida. Pero, alrededor de ese núcleo, empezó a crecer otra capa cada vez más visible, más exigente, quizás más difícil de sostener, que tiene que ver con la espectacularidad, con la performatividad.

De repente, pareciera que ya no alcanza con subirse a un escenario y tocar o cantar bien. Ahora, además de eso, hay que construir un universo consumible.

Quizás, si se toma distancia, si se toma perspectiva, la evolución es clara. Escenarios cada vez más grandes, pantallas gigantes que multiplican la imagen hasta el infinito, visuales que parecen piezas cinematográficas, cuerpos de bailarines que expanden la narrativa de cada canción: todo eso ya forma parte del estándar, ya es “lo normal”, lo “esperable”.

Sin embargo, en los últimos años, incluso empezó a quedarse corto, porque lo que empezó a pesar más es el momento que se vuelve viral. Ese momento exacto que obliga a todos a sacar el celular, filmar y subir el video a las redes donde se comparte y circula sin parar. Es ese momento que transforma el show en contenido, que instala conversación, que valida que ese espectáculo ocurrió y quién se lo perdió probablemente siente “fomo”.

Entonces, es imposible no pensar en algunos ejemplos recientes que funcionan casi como manual de este “fenómeno”. Charli XCX con su apple dance, una coreografía simple que se replicó hasta el cansancio en TikTok y luego hizo lo suyo en los shows de la británica. Sabrina Carpenter y sus arrestos durante la interpretación de Juno, donde "detiene" simbólicamente con esposas rosas a un invitado famoso o persona destacada en el público por ser "demasiado sexy", jugando con una narrativa que mezcla humor, erotismo y teatralidad.

Bad Bunny llevando su “casita” al escenario, creando un espacio cargado de caras conocidas dentro del escenario. Aquí, en Argentina estuvieron, por ejemplo: Wanda Nara, Lali, Nicki Nicole, Tini, María Becerra, Luck Ra, Tiago PZK y Bizarrap, entre otros.

Role Model también lo hace con sus “Sally” (generalmente chicas famosas). En sus conciertos invita a algún amigo o celebridad al escenario durante su canción Sally, when the wine runs out. Esta persona baila y canta con él en el puente de la canción, convirtiéndose en un fenómeno viral. Y más recientemente, Rosalía con su confesionario montado en el escenario antes de cantar La perla, donde invita a amigos a confesar sus secretos, anécdotas amorosas o situaciones divertidas mientras ella actúa como una especie de “sacerdotisa”. Así, la narrativa del show se expande hacia lo íntimo, lo casi voyeurístico, con el toque católico que envuelve a todo su último disco, Lux.

Todos estos ejemplos funcionan porque todos generan conversación, todos cumplen su objetivo. Pero, también abren otra lectura posible porque, en esa búsqueda constante por crear el momento, lo que empieza a aparecer es una especie de circuito cerrado.

Un sistema que se alimenta a sí mismo, como un uroboros, de fama donde los protagonistas de esos instantes no suelen ser quienes están abajo del escenario, sino quienes ya están, de alguna manera, arriba: influencers, actores, otros músicos, figuras con capital simbólico propio que amplifican el alcance del gesto.

La escena se vuelve, entonces, doblemente performática, no sólo por lo que ocurre en el escenario sino por quién lo ocupa. Es ahí en donde algo empieza a hacer ruido porque del otro lado hay un público que no es abstracto.

Hay personas concretas que compraron una entrada, muchas veces a precios altísimos, que organizaron su economía, y a veces la desordenaron, para estar ahí. Fanáticos que no sólo consumen música, sino que construyen identidad a partir de ella, que esperan ser parte de algo que no se repita. Y sin embargo, muchas veces quedan fuera de ese momento que después define el show.

Entonces, la experiencia se vuelve paradójica porque mientras más se amplifica hacia afuera, hacia lo que va a circular en redes, más se corre el riesgo de perder algo hacia adentro, hacia quienes están ahí, en tiempo real, sosteniendo con su presencia todo lo que sucede.

La industria del entretenimiento mutó en una maquinaria de perfección predecible. Por un lado, el show moderno se convirtió en una "autofagocitación de la fama". Esta dinámica transforma al fan en un mero espectador de una interacción de élite, desplazando aquellos gestos históricos donde el seguidor era el protagonista.

Esta búsqueda del control absoluto anula la espontaneidad, que es el alma del ritual musical. Como bien señaló Tamara Tenenbaum en el pódcast Euforia, la escala masiva erradicó el factor sorpresa: desde el setlist filtrado hasta la coreografía milimetrada, el recital deja de ser un evento vivo para convertirse en la reproducción de un video de TikTok a gran escala.

El concierto pasó de ser una experiencia compartida y humana a ser un producto de consumo visual donde la conexión real con el fan se sacrifica en el altar de la relevancia digital.

En ese contexto, está “el under”, donde conviven artistas supertalentosos luchando por tocar por un poco de dinero, mientras tratan de financiar sus carreras y a la vez, vivir. Claro está que, ese hambre de gloria es el que hace que estos shows sean los verdaderamente memorables hoy en día.

El artista acá tiene conexión con el momento, con su público que lo va a ver siempre. Hay espacio para la espontaneidad, para la humanidad. Es ir a ver bandas, como Wrrn, por ejemplo, en el under porteño, y ver cómo vuela gente por el aire, se suben al escenario con la banda y le roban el micrófono al cantante, y todo eso es parte de la mística del show, lo que lo hace divertido, memorable y hace que valga la pena el precio a pagar por la entrada.

Cabe dejar en claro que no se trata de romantizar el pasado ni de negar que el espectáculo siempre tuvo algo de show total. La música en vivo nunca fue solo sonido, siempre hubo puesta, narrativa, construcción de clima. Lo que no se puede negar es que lo que cambia ahora es la lógica de validación. El show ya no se mide solo por lo que pasa en el momento, sino por su capacidad de extenderse en el tiempo digital.

No obstante, esto no es un escenario cerrado ni homogéneo. Hay artistas que, dentro de esta misma lógica, encuentran formas de devolverle al público algo de ese protagonismo como parte estructural de la experiencia.

Dua Lipa, por ejemplo, incorporó en sus giras un recurso simple pero efectivo: interpretar covers de canciones locales en cada país que visita. Más allá de ser un guiño, es también una forma de anclar el show en el territorio, de generar expectativa en el público y ese sentimiento de pertenencia tan anhelado.

Green Day lleva años invitando a fans a subir al escenario para tocar la guitarra, cediendo por un momento el lugar de privilegio y transformando la experiencia en algo irrepetible para quien participa y para quienes miran.

Paramore hizo de ese gesto una marca registrada. En una tradición clásica de sus conciertos en vivo, la vocalista Hayley Williams invita a uno o más fans al escenario para cantar el puente y estribillo final de Misery Business junto a la banda.

En otra clave, Chayanne mantiene un ritual casi clásico: subir a fanáticas al escenario, bailar con ellas, sacarles fotos, generar un momento de cercanía que, aunque todos sepan que se repite show a show, sigue teniendo un gran valor a nivel emocional para quienes lo aman, admiran y siguen desde siempre.

Y en el plano local, Lali con su “chape tour” construyó una dinámica que, si bien incluyó figuras conocidas, se apoyó muchas veces en fans reales, generando una interacción directa que rompe la lógica de la distancia (a pesar de las críticas que también le hicieron por cuestionamientos sobre el consentimiento y la moralidad de besar a personas en el escenario).

Incluso Justin Bieber, en otro momento de su carrera, había instalado algo similar con One less lonely girl. Este era un ritual icónico durante sus conciertos allá entre el 2010 y el 2012, donde el canadiense seleccionaba a una fanática del público para subirla al escenario.

Sentada en una silla, la fan recibía una serenata, flores y abrazos de Bieber mientras cantaba el tema, convirtiéndola en "una chica menos solitaria" esa noche. Cuando ese lugar fue ocupado por Selena Gomez, la reacción fue inmediata: el público sintió que se había roto algo. Tal vez esa es la clave, no en el gesto en sí, sino en quién lo habita.

A lo que lleva todo esto es a la conclusión de que lo que está en juego no es sólo la espectacularidad, sino la reciprocidad. La posibilidad de que la experiencia sea verdaderamente compartida, de que el show no sea únicamente algo que se consume, más bien algo que también se construye desde abajo.

En un contexto donde todo tiende a la hiperproducción, donde cada detalle está pensado, ensayado y optimizado para su circulación posterior, devolverle al público un margen de imprevisibilidad puede ser, curiosamente, el gesto más potente, el más humano. Porque es entonces cuando aparece esto que no se puede replicar ni viralizar, incluso no se puede materializar del todo: es la sensación de haber estado en un momento que, aunque se repita en estructura, fue único en su ejecución.

La tensión no es entre música y espectáculo, es entre espectáculo y experiencia, entre lo que se ve versus lo que se vive. Entre el momento pensado para ser compartido hasta el hartazgo en las redes sociales y el momento real, el que queda entre quienes estuvieron ahí y fueron parte.

En ese equilibrio se juega hoy gran parte del sentido de los shows en vivo. En ese terreno, cada artista decide hacia dónde inclinar la balanza. Quizás la pregunta no sea si los recitales dejaron de ser solo recitales, sino qué lugar ocupa hoy el público dentro de ese nuevo formato y, sobre todo, cuánto de ese espacio está realmente disponible para quienes, desde abajo, siguen sosteniendo todo.